bohemio rebelde

EL ARTE DE LA FOTOGRAFIA

2009-06-16T09:58:00.000-07:00

Normalmente cuando busco las entradas para el blog me gustan que estas sean de carácter práctico o ilustrativo, no necesariamente aportaran consejos evidentes, pero busco que siempre se puedan sacar conclusiones útiles de sus lecturas. La Entrada de hoy será tal vez menos ilustrativa pero más declarativa. Y es declarativa porque creo que es necesario que se entienda la fuerza que tiene la fotografía como Arte en el extranjero.

En Venezuela, desde donde se escriben estas letras, la fotografía no es aun considerada aun como un arte y el quehacer fotográfico está lejos de ser una actividad de prestigio artístico. Ahora bien, es responsabilidad de quienes ejercemos estas artes el dar a conocer lo que hacemos y el explicar su importancia para que quienes son conocedores del arte, coleccionistas, así como el común de la gente, se pongan en contacto con lo sucede con la fotografía a nivel nacional e internacional. Que no se quede otra vez atrás, de nuevo, nuestra América Latina.

La fotografía es la única posibilidad de la imagen estática, la única posibilidad de tener imágenes que realmente nos pertenezcan. El video bien sea en televisión o en cine, con su increíble alcance, su maravillosa imagen y su sonido, es siempre pasajero, nos brinda la oportunidad de ver imágenes en movimiento y nos quita rápidamente las imágenes. A pesar de tener una fuerza sensorial poderosa, no tiene la permanencia, el silencio presencial de la fotografía.

La fotografía es un testimonio, un testimonio visual, así como una piedra traída de nuestro último viaje, la fotografía es una piedra traída del viaje de la humanidad, ella tiene una permanencia física que nos permite absorber la imagen, pensarla, descifrarla.

La fotografía puede ser muchas cosas, puede ser arte, puede ser reportaje, puede ser las dos, pero es siempre la fotografía una especie de testigo mudo que se pone frente a nosotros y nos muestra la cara del pasado.

Bien sea un Ansel Adams mostrándonos los paisajes de su amado Yosemite Park en blanco y negro, o un Edward S Curtis mostrándonos los últimos y únicos registros fotográficos de todas las tribus de los indios norteamericanos, o un Manuel Alvarez Bravo dejándonos ver el retrato de Frida Kahlo así como trozos del México de su época , o Margaret Bourke White poniendo frente a nuestros ojos las imágenes de los años 30 así como las consecuencias de la segunda guerra mundial, o Bill Brandt dejándonos ver un Londres ya perdido en el pasado y observar la mirada de Francis Bacon, o un Salgado que nos muestra las imágenes contemporáneas de las carencias que afligen a gran parte del mundo.

Todos ellos y muchos otros que han dedicado sus vidas a la fotografía, tienen algo que decir, algo que mostrar, una parte de nosotros que revelarnos, una parte de nosotros que recordarnos. Igual de importante es la fotografía en nuestro medio familiar, quien no tiene una fotografía de tiempos pasados a la que le guarda cierto respeto, cierta nostalgia, porque la fotografía abre puertas en nuestros recuerdos que reviven viejas añoranzas, que resucitan pasadas vivencias.

La fotografía es sin duda un arte en pleno desarrollo, con una importancia cada vez más predominante y que sin duda alguna permanecerá con nosotros por muchos años por venir.

Lino Clemente/ Bohemio Rebelde
Modelart fotografía

MODELART SESION FOTOGRAFICA

2009-05-12T10:11:00.000-07:00

7 consejos para Vender tu arte por Internet

2009-04-23T20:51:00.000-07:00

Normalmente cuando busco temas para traerles al blog busco crear las entradas, con el objetivo de permanecer evitar convertirme en un reciclador de información.

Ahora bien, de vez en cuando es sano darle una patada al ego y mandarlo a pasear al perro mientras tomo el artículo de otra persona y lo transcribo para que sea accesible al público de habla española que no maneja el idioma inglés.

Transcribo aquí, sin autorización (como buen bohemio), un artículo de “emptyeasel.com” llamado, 7 Consejos para vender tu arte por Internet, como ayudar a los compradores a encontrar tu arte.

El registrarse en una página de internet más grande y conocida para vender tu arte es usualmente bastante fácil y en ocasiones, incluso gratis. Pero después de unos meses sin obtener ninguna venta muchos de ustedes empiezan a hacerse una importante pregunta:

¿Como puedo hacer que los compradores encuentren mi arte en la Web?Evidentemente, a diferencia del proceso de inscripción en una página web, todo el asunto de vender arte no es, definitivamente, fácil. Así que en vez de esperar y desear que los coleccionistas de arte te encuentren, aquí podrán encontrar 7 maneras a través de la cual usted podrá comenzar a dirigir a tus compradores potenciales a tus obras de arte:

1. Escribe mejores descripciones de tus trabajos artísticos.
Las mejores páginas web para vender tu arte te permitirán e incluso motivaran a escribir descripciones precisas para cada obra de arte que subes a la red, así como una declaración del artista y su biografía.

Esos párrafos no solo deben ser fáciles de leer y libres de errores de gramática, puntuación y ortografía, también deben ser optimizados para motores de búsqueda tales como Google y Yahoo.

“Optimizar para la búsqueda” significa usar las mismas palabras claves en tus descripciones y títulos a las que usan los compradores de arte cuando buscan obras de arte en línea.

Suena fácil, ¿no? Bueno, es más o menos así.

Si estas interesado, yo he escrito varios artículos a profundidad acerca de optimización de motores de búsqueda en la pagina emptyeasel SEO sección para artistas. Pero por ahora, aquí hay un ejemplo corto acerca de cómo optimizar tus obras de arte para los motores de búsquedas:

(te darás cuenta de que he puesto las palabras claves relacionadas al arte en negrillas. Ninguna de las otras palabras realmente ayudan cuando se trata de motores de búsquedas).

“ Fragmentos sin títulos es la séptima pintura en mi serie de obras de arte de geometría abstracta. Use colores atrevidos y poderosas pinceladas, como lo hago comúnmente en todas mis pinturas con el objetivo de crear una impresión visual duradera. Compradores de Arte y amantes del arte verán referencias simbólicas a prominentes pintores abstractos del siglo 20 como Piet Mondrian y Georges Braque ya que hago homenaje a sus visiones artísticas a través de mi propio arte. Esta obra esta aun a la venta , así que si deseas comprar la pintura haz click en el botón de comprar pintura aquí abajo”.

Con un poco de esfuerzo usted puede crear descripciones llenas hasta el ahogamiento de palabras que los compradores de arte podrían usar para sus búsquedas. En este caso, ellas no son solo acerca de pinturas abstractas sino también podrían ser sobre la compra de arte, artistas similares y cosas por el estilo.

2. Se mas sociable.
Dependiendo de la Web de Arte en la que te has inscrito, el uso de palabras claves puede servirte de algo o no. Una de las cosas que ayudara seguramente a dirigir el tráfico a tu website, será establecer contactos sociales. (llamado en ingles, Networking). Aquí están algunas de las mejores maneras de hacer contactos sociales y vender tu arte:
- Página de Internet: Flickr
Que puedo decir, Hay muchísimas personas navegando por Flickr todos los días y tiene una gran función de búsqueda en su sistema. Inscríbete en una cuenta gratuita, monta algunos de tus mejores trabajos artísticos (apropiadamente titulados, por supuesto) y pon enlaces a la página web donde tu arte está a la venta.
- Página de Internet: MySpace
No es solo para niños ahora. A través de esta página tendrás la habilidad de enviar boletines informativos para promover tus trabajos artísticos, personalizar tu página, crear o unirte a grupos de arte y añadir muchos, muchos amigos quienes posiblemente se convertirán en Fans de tu arte ( e incluso, en compradores). Si, MySpace es más o menos…..asqueroso…a veces, pero aun así está creciendo sólidamente y sería tonto no usarlo.
- Página de Internet: Facebook
Ya que uno puede unirse a Facebook en base a la localidad en la que uno se encuentra, yo lo veo como convirtiéndose definitivamente en un gran sitio de establecer contactos sociales (networking) para artistas locales. Como en MySpace tu puedes crear grupos y añadir contactos, pero también puedes crear eventos (exposiciones de Arte, ¿Tal Vez?) y enviar invitaciones con la función de RSVP en su sistema. Además, si quieres hacer propaganda en un grupo especifico de personas, Facebook te permite hacer eso.
- Página de Internet: YouTube
Esto es tal vez un poco avanzado tecnológicamente para algunos artistas, pero al igual que MySpace es demasiado grande para ser ignorado. Si lo necesitas, encuentra un amigo que monte videos regularmente y pídele que te ayude. Haz una demostración artística rápida o un video del progreso de una obra y móntalo en tu propio canal. Luego encuentra una forma de establecer un enlace directo de esa página a tu trabajo artístico.

Dani de DaniDraws.com hace un buen uso de YouTube. Dale una mirada a su canal y luego haz la prueba tu mismo.

- Forums
Cualquier Forum es bueno para hacer relaciones sociales, no solo los fórums de arte. Y mientras que estas ahí, siempre pon un link a tus obras de arte en la línea de firma de tus mensajes. Tú podrías considerar la idea de unirte a Forums que tengan los mismos intereses que tu. ¿Tu pintas flores?, Únete a un fórum de botánica. ¿Caballos?, únete a un fórum ecuestre. Ahora bien, si planeas enviar correos basura o practicar el spamming, prepárate para ser retirado a la fuerza del fórum. Solo únete a fórums que tu vas a disfrutar bien sea que vendas tu arte o no.

Lo que debe entenderse de las páginas web de redes sociales es que tienes que estar dispuesto a invertir tu tiempo hablando, comentando e incluyéndote. Si puedes hacer eso, comenzaras a ver resultados. Y si te diviertes mientras tanto, pues aun mejor.

3. Comienza un Blog de Arte
Hay tantas opciones de Blog hoy en día que es casi, demasiado fácil. Yo recomendaría Wordpress.com si no quieres ensuciarte las manos con todo el asunto del Hosting y otras cosas, además solo te tomara unos pocos segundos comenzarlo. Hay una variedad de programas a tu disposición, pero Wordpress.com lo hace bastante fácil.

Andrew Gibson es un buen ejemplo de un artista usando un blog para dirigir el tráfico virtual a su galería en internet.

4. Crea una carta de email para amantes del arte.
Déjale saber a la gente que pueden recibir una notificación de email cada vez que terminas una nueva obra y trabaja en desarrollar relaciones de largo plazo con ellos a través del contacto periódico. Si tu estas ya montando tus obras en un blog es bastante fácil enviar los emails automáticamente .

Todo lo que toma es poner el link de suscripción en un lugar importante y asegurarte que la gente se sienta cómoda contigo. A través del tiempo tú puedes lograr un grupo importante de compradores repetidos.

5. Hazle publicidad a tu Pagina Web ( en papel).
Cuando estés imprimiendo tus tarjetas, tarjetas postales, volantes o cualquier otra cosa, incluye la dirección de tu página web donde la gente puede encontrar y comprar tu arte.

No seas tímido/a a la hora de promover tu pagina web fuera de la red. De hecho es probablemente la manera más segura para informar sobre tu arte a las personas que tu sabes que pueden estar interesadas en comprarlo.

6. Únete a otros Artistas.
Encuéntrate con otros artistas y unan fuerzas. Tú puedes crear un Blog del grupo o solo comprometerte a crear un link en común unos a otros y así todos se benefician.

7. Permanece en la lucha por al menos unos seis meses.Todo el proceso no es necesariamente fácil, pero funciona con el pasar del tiempo. No te desilusiones en una semana o en un mes cuando todo parece permanecer igual. Después de seis meses, mira nuevamente atrás. Si tú te decides a hacer lo que he recomendado en este articulo, después de seis meses estarás definitivamente viendo ciertos progresos.

Publicado por Dan, del blog emptyeasel.com, el 30 de Abril del 2007.
Traducido por el Bohemio Rebelde. 15/04/09

Le Dejeuner sur l’Herbe

2009-03-06T17:01:00.000-08:00

Un almuerzo en la hierba

La pintura fue presentada por primera vez en 1863, en El salón, una exhibición costeada por el estado Francés que normalmente ponía a todo Paris a hablar de ella. Era la exhibición artística del año, el evento más reconocido, el equivalente a los premios de la academia, los “Oscar” de la pintura. Aproximadamente medio millón de personas lo visitaban en las seis semanas de su duración.

Miles de trabajos eran llevados al jurado que elegía los cuadros aptos para la presentación. Los desnudos eran bastante comunes, pero no cualquier tipo de desnudos. Eran desnudos que tenían que seguir las reglas clásicas aceptadas para la época, desnudos que relataban una escena mitológica, y cuanto más apartados de la realidad cotidiana, mejor.

Manet, presento 3 trabajos para el Salón de 1863, los tres fueron rechazados. Pero en el Salón del año 1863 hubo tantos trabajos rechazados, que los artistas hicieron oír sus quejas y el emperador Napoleón permitió la apertura de un salón adicional, donde se presentarían los cuadros rechazados. Enseguida, el Salón de los Rechazados, como fue llamado, se convirtió inmediatamente en una sensación social. La gente se agrupaba frente a los cuadros y se mofaban descaradamente de todas las piezas que estaban siendo presentadas.

El cuadro de Manet, con sus impresionantes dimensiones, capturo la atención de los asistentes y su nombre estaba en boca de todos. ¿Pero quién era Manet?, ¿de dónde venia?. Este muchacho, de una clase social pudiente, hijo de un juez, con una vida aparentemente convencional estaba de pronto, frente al mundo del arte parisino, rompiendo los paradigmas aceptados hasta el momento y causando un revuelo increíble con este cuadro críptico, indescifrable.

En parte, este cuadro había sido inspirado por Apollinarie, precisamente por un poema donde instaba a los artistas a ser artistas de la vida moderna, a pintar sobre su tiempo. A ser Pintores de la vida moderna.

Aquel cuadro fue demasiado real para los parisinos de aquel tiempo. Victorine Meurent, la mujer desnuda en el medio de la pintura, era una modelo y artista que trabajaba con Manet, que vivía en París y que además tenía la valentía de ver inmutablemente a los ojos de cualquiera que se detuviese a ver la pintura.

Otra fuente de inspiración fueron dos trabajos clásicos que tocaban cercanamente el mismo tema, uno de ellos fue “el juzgamiento de Paris” por Marco Antonio Rimondi, un grabado del siglo 16, donde se observa una ninfa de agua con dos dioses del rio y en ellos se observa la misma posición de los personajes a la utilizada por Manet en su “almuerzo en la hierba”. El otro trabajo clásico que inspiro a Manet fue una pieza clásica italiana llamada el concierto pastoral de Tiziano, de donde Manet toma la idea de dos mujeres desnudas en el campo compartiendo un momento agradable con dos hombres vestidos. La diferencia es que en ese cuadro de Tiziano estas mujeres que están desnudas son ninfas, y no muestran ninguna relación con la realidad.

Por primera vez en la historia del arte, el artista mostraba a una mujer desnuda y su realidad como modelo. Hasta ese momento, todas las otras mujeres desnudas que habían sido presentadas en las pinturas eran presentadas como ninfas, diosas, o caracteres mitológicos. Nunca antes una mujer desnuda había sido presentada simplemente como, una mujer desnuda.

Rayos X de la pintura demuestran que la figura de Victorine, la mujer desnuda en el medio del cuadro, fue trabajada arduamente por Manet. Es posible incluso, que la modelo original fuese la esposa de Manet y que luego la figura haya sido cambiada por la de Victorine, ya que esta ultima tenía una figura más estilizada. Los rayos X demuestran también que el conjunto de ropa de la modelo no estaba en el boceto original, lo cual sugiere que fue pintado posteriormente. Tal vez, la idea original de Manet, era más cercana a la tradición clásica. En algún momento tomo una decisión final y al cambiar su cuadro, cambio también el curso de la historia.

La manera en que Manet decide iluminar su pintura, claramente desde el frente, donde está parado el espectador, resalta sin ambigüedades el desnudo que se presenta, dándole un carácter casi medico, descarado, moralista. No es un desnudo a la sombra ni escondido, no. Es un desnudo que prácticamente debe haber dicho a los oídos de los asistentes al salón, si estoy desnuda ¿y qué?, eso soy, una modelo tan respetable como tú.

Manet rompe con este cuadro muchos paradigmas, incluso el tamaño del cuadro es mucho mayor al comúnmente aceptado para la época para ese tipo de pinturas. En aquellos tiempos, era regla general en el arte francés que mientras más grande era el cuadro más importante tenía que ser el sujeto representado. Los grandes cuadros estaban reservados para pinturas heroicas, no para mostrar una escena de la vida cotidiana, mucho menos un picnic.

La pintura también rompe con el esquema de categorización, ya que en ella se presentaban diferentes estilos en una misma obra de arte, se presenta paisajismo, naturaleza muerta y pintura figurativa. Por otro lado, era típico de los tiempos que las obras no debían dejar rastro alguno de la mano del artista, la ilusión debía ser perfecta. Manet en cambio, uso cantidades generosas de pintura provocando así que los colores saltaran del cuadro, no retoco en demasía y dejo el cuadro con pinceladas crudas que parecen ser más propias de un sketch que de una pintura terminada.

Manet rompió con su pintura todos los esquemas respetados hasta la época. Gracias a esta pintura se convirtió en la punta de lanza del avant garde y en una especie de padre del impresionismo que se apoyo en sus logros para llevar a la pintura a nuevas fronteras creativas.

Artistas de la Ruptura V

2009-02-17T17:14:00.000-08:00

Con esta entrada doy final al conjunto de entradas que he dado en llamar Artistas de la Ruptura.

Como aclare en un principio, serian cinco entradas que buscarían analizar parte de la vida de algunos artistas elegidos completamente al azar. Con la característica en común de haber sido luchadores por su arte, en contra de sus propias familias, en contra del establishment artístico, e incluso, en ocasiones, en contra de sí mismos.

No he querido profundizar sobre ellos intencionalmente ya que considero que eso te lo dejo a ti, descubre tu mismo/a al artista, yo solo te lo he mostrado brevemente. Ve tu a sus obras, búscalo, trata de ver un pedazo de su alma y de lo que el probablemente quiso decir con su trabajo. Apóyate en las biografías, observa las vidas de tus maestros y encuentra aprendizajes para ti. Como me decía la artista colombiana María Fernanda Cardozo, es importante que todos tengamos nuestros héroes, personas que nos sirvan de inspiración para alcanzar y lograr lo que ellos ya han logrado.

En toda esta batalla, porque es sin duda una batalla, de poner tu arte en la calle, en los libros, en las paredes, en las pantallas de los cines, de las computadoras, en los museos, en las galerías. En toda esta batalla, este blog busca ser solo una cantimplora de agua que te calme la sed y te refresque, que te llene de fuerzas como ese cafecito esencial de las mañanas. Aquí yo no busco resolver el mundo, decirte todas las recetas, ni tampoco llorarte penas psicológicas que me atormenten, así como tampoco decírmelas a mí mismo. Aquí yo busco, sencillamente, darte una palmada en la espalda, un guiño y animarte a seguir creando. Animarte a seguir soñando mientras actúas. Animarte a recordar que una meta es un sueño con una fecha de entrega.

Nuestro artista de la ruptura de hoy, conoció a Picasso, a James Joyce, a Ezra Pound y G.stein. Fue un hombre de Guerra y un hombre de letras. Gano con su arte el premio Pulitzer en 1953 y luego el premio Nobel en 1954. Sus obras, a pesar de su proximidad temporal, ya son consideradas clásicos de la literatura. Estoy hablando del ineludible, Ernest Hemingway.

Nace en la Ciudad de Chicago el 21 de Julio de 1899. Su madre, una mujer profundamente religiosa y profesora de música. Su padre, un doctor amante de las actividades al aire libre. Desde pequeño Hemingway adopta ambas influencias, el amor de su madre por la música, y el amor de su padre por la cacería, la pesca, y el irse de acampada.

Durante sus años de adolescencia escolar, se destaca en las actividades atléticas, así como en las actividades académicas. Publica sus primero artículos en el periódico de la escuela donde escribe bajo el pseudónimo de Ring Lardner Junior, en honor a su héroe literario Ring Lardner. Lo cual es una lección para todos nosotros, sobre todo para aquellos que piensan que hay que ser experto en un arte para comenzar en él. El experto se hace cuando practica el novato.

Cuando Hemingway termina sus estudios elementales rompe con los deseos familiares y comienza a trazar su propio camino. Su padre recomendaba comenzar los estudios universitarios y su madre le recomendaba seguir con sus estudios musicales y dedicarse al violonchelo. Pero Ernest, toma otro camino y se va a trabajar con el Kansas City Star, donde trabaja como reportero por solo unos seis meses. Lo cual no desmerita la experiencia en absoluto ya que toma del Kansas City Star su estilo de escritura. “Usa frases cortas. Usa primeros párrafos cortos. Usa Ingles vigoroso. Se positivo, no negativo”.

Hemingway tuvo una vida extremadamente interesante y cualquier mención adicional seria reducir en demasía la grandeza de este personaje. Es la figura artística perfecta para terminar esta serie de entradas ya que fue un hombre libre, un norteamericano que traspaso las fronteras de su país y vivió experiencias alrededor del mundo, muchas de las cuales terminaron incorporadas a sus libros y relatos. Los dejos con algunas de sus frases:

- Toda mi vida yo he observado las palabras como si las estuviese viendo por primera vez.

All my life I've looked at words as though I were seeing them for the first time.
Letter (9 April 1945); published in Ernest Hemingway : Selected Letters 1917-1961 (1981) edited by Carlos Baker

- Yo comencé calladamente y le gane al Sr.Turgenev. Después entrené duro y le gané al Sr.Maupassant. He quedado empatado dos veces con el Sr. Stendhal y creo que tuve una ligera ventaja en la última pelea. Pero nadie me metería en un ring con el Sr.Tolstoy, al menos que este loco o que continúe mejorando.

I started out very quiet and I beat Mr. Turgenev. Then I trained hard and I beat Mr. de Maupassant. I’ve fought two draws with Mr. Stendhal, and I think I had an edge in the last one. But nobody’s going to get me in any ring with Mr. Tolstoy unless I’m crazy or I keep getting better.

Source: quoted in Lillian Ross's profile of Hemingway, which first appeared in the The New Yorker (13 May 1950). The profile was later published as a short book titled Portrait of Hemingway (1961).

- El gran artista va más allá de lo que ha sido conocido o hecho en el pasado, y crea algo propio. (Libro “Muerto en la tarde”.1932.Capitulo 10).

Artistas de la Ruptura IV

2009-02-09T10:20:00.000-08:00

Edouard Manet es un personaje que marca un hito en la historia del arte. Nace en una familia adinerada e influyente. Su madre era la hija de un diplomático y estaba emparentada con la familia real suiza. Su padre, Auguste Manet, era un juez francés que esperaba que su hijo persiguiese la carrera de las leyes. En su círculo familiar, era su tío Charles Fourier, quien impulsaba a Manet a seguir su vocación artística y lo llevaba a visitar el Museo de Louvre. Gracias al consejo de su tío es que Manet siente las fuerzas suficientes para formar parte de un curso especializado de dibujo, el cual le provee de una relación personal que sería muy importante en su vida, en el conoció a Antonin Proust, quien fue luego Ministro de Artes y además, amigo de por vida de Manet.

Siguiendo las indicaciones de su padre, Manet se une a un buque de entrenamiento en 1848 en el cual viaja hasta Rio de Janeiro. Eso no basto para sacarle el arte de la cabeza. El futuro artista fracasa en dos oportunidades los exámenes para unirse a la marina. Es entonces, cuando finalmente, su padre se da por vencido y deja que su hijo desarrolle la carrera artística. Es aquí donde se da la ruptura de Manet, donde finalmente rompe con la opresión familiar y deja que el arte llene su vida y que su vida aporte al arte.

Manet estudia con el pintor académico Thomas Couture durante 6 años y al mismo tiempo, estudia con los grandes maestros del pasado artístico. Utiliza todo su tiempo libre para ir al Louvre y dedicarse a copiar a los maestros y dejar que estos le susurren al oído los grandes secretos de su arte. Recordemos que en el Louvre esta La Joconda, mejor conocida como la Mona Lisa, así como muchísimas otras obras de igual importancia hechas por los maestros del arte de todos los tiempos.

Entre 1853 y 1856 Manet visita Italia, Alemania, y los países bajos. Tiempo durante el cual se ve influenciado por el estilo de Diego Velázquez, Francisco de Goya así como el pintor holandés Frans Hals.

En el año 1856 abre su propio estudio y dedica el resto de su vida a consagrarse a la pintura. Es mucho lo que puede decirse de Edouard Manet y este es un blog que busca ser de inspiración a los artistas y no un blog de historia del arte, por lo tanto no voy a extenderme sobre hechos históricos que van más allá de la intención buscada.

Manet es un digno representante del arte de la ruptura ya que no solo tiene que atravesar las murallas invisibles pero bastante reales de la resistencia de su padre sino que además, sus obras se estrellan con el status quo de su época, su obra “Le Dejeuner sur l’herbe” causa un revuelo intenso en la exhibición del Salón de Paris de 1863. El revuelo que causo esta obra será un tema a tratar en entradas posteriores pero vale la pena que todos aquellos interesados en el arte estudien la vida de Manet y cómo el rompió paradigmas con sus obras y con su vida.

Los dejo con una frase del artista,
“Tu debes siempre ser el amo de la situación y hacer lo que te plazca. No tareas escolares, Oh No! No Tareas!”. Edouard Manet.

You must always remain master of the situation and do what you please. No school tasks, ah, no! no tasks! Edouard Manet.

Artistas de la Ruptura III

2009-02-01T21:09:00.000-08:00

La entrada de hoy es sobre un personaje que es, en contra de su voluntad, famoso en la literatura. Un escritor que no es necesariamente un artista convencional de la ruptura. Es un artista que vivió su ruptura en secreto, que siguió escribiendo sin necesitar del público, de la aclamación popular y que de hecho, no estaba interesado en que tú y yo, así como el resto del mundo, conociésemos su mundo interior.

Te sorprenderá saber la historia personal de este escritor, Franz Kafka. Nace de una familia de clase media judía en Praga, la capital de Bohemia. El alemán fue su lengua materna, aunque también dominaba el checo y tenía ciertos conocimientos de francés. Comienza sus estudios universitarios en la Universidad Charles Fernindan de Praga donde el comienza estudiando Química y después de dos semanas, se cambia a estudiar derecho, carrera que satisfacía los deseos de su padre y que por requerir más años de estudio, le permitió instruirse en alemán y en historia del arte, además de unirse a un grupo que realizaba eventos literarios. El 18 de Junio de 1906 Kafka obtiene el título de doctor en leyes.

Después de pasar un año de servicio legal obligatorio no pagado en las cortes civiles y criminales, Kafka se une a una compañía de seguros donde trabajara por casi un año. Luego pasa a trabajar con el instituto de seguros de accidentes de los trabajadores del reino de bohemia. Kafka trabajaba en sus escritos durante su tiempo libre y su interés en la escritura era tal, que incluso en una oportunidad se mudo a Berlín para estar alejado de su familia y concentrar sus energías en escribir.

Durante su vida solo publicó un libro, La Metamorfosis, publicado en 1915, además de una cantidad numerable de cuentos cortos. Sus otros libros fueron publicados luego de su muerte por su amigo Max Brod, quien ignorando la última petición de Kafka, no quemó sus escritos sino que hizo todo lo contrario y se encargó de publicar los títulos: “En la Colonia Penal”, “El Juicio”, “El Castillo”y “Amerika”. Gracias a Max Brod podemos hoy día leer los diarios de Kafka, así como sus innumerables cartas. Los dejo con una frase del Escritor,

“Yo pienso que nosotros debemos leer solamente el tipo de libros que nos hieren y nos apuñalan. Si los libros que estamos leyendo no nos despiertan golpeándonos en la cabeza, ¿Para que los estamos leyendo?... Necesitamos libros que nos afecten como un desastre, que nos entristezca profundamente, como la muerte de alguien que nosotros hemos amado más que a nosotros mismos, como ser desaparecido en bosques lejos de todos, como un suicidio. Un libro debe ser el hacha que rompa el mar congelado dentro de nosotros”. Carta a Oskar Pollak.27/01/1904.

I think we ought to read only the kind of books that wound and stab us. If the book we are reading doesn't wake us up with a blow on the head, what are we reading it for? ...we need the books that affect us like a disaster, that grieve us deeply, like the death of someone we loved more than ourselves, like being banished into forests far from everyone, like a suicide. A book must be the axe for the frozen sea inside us.

Artistas de la Ruptura II

2009-01-25T11:21:00.000-08:00

En la entrada anterior escribí sobre Gauguin y de cómo término aportando una nueva forma de pintar luego de abandonar el viejo mundo y su familia para entregarse de lleno a la pintura en las islas del pacifico. Pero casos como el de él, donde el artista ha dejado toda una carrera atrás para dedicarse al arte son comunes. En esta entrada veremos el caso de un gran fotógrafo, que ha sido llamado por muchos, uno de los mejores fotógrafos de nuestro siglo.

Sebastiao Salgado nace en Brasil el 8 de Febrero de 1944, en el pueblo de Aimores, en el estado de Mina de Gerais, pueblo que abandona en 1960 para poder proseguir sus estudios. Completa su educación secundaria en 1962 y al año siguiente inicia los estudios universitarios; decide estudiar economía culminando sus estudios en 1967, año en que se casa con Lelia Deluiz Wanik.

Se van juntos a la ciudad de Sao Paulo donde Sebastiao hace una maestría en Economía, mientras su esposa termina sus doce años de estudios de conservatorio de piano. Para el año 1969 se mudan a Paris, donde Sebastiao prosigue sus estudios en economía y obtiene un doctorado en la materia, mientras su esposa comienza estudios de arquitectura en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes. En 1971 se mudan de nuevo, esta vez, a Londres, donde Sebastiao trabajó como economista para la Organización Internacional del Café. Como parte de este trabajo empieza a viajar continuamente a África en misiones afiliadas al Banco Mundial.

Es en estas misiones donde Sebastiao Salgado comienza a tomar fotografías. Hasta ese momento Sebastiao no tenía ni siquiera una cámara fotográfica, toma prestada una cámara fotográfica de su esposa y la cámara se apodera de él. A medida que va haciendo sus fotografías se da cuenta del placer incomparable que lo arrebata cada vez que utiliza la cámara.

Al volver a Londres las fotos que se lleva con él no lo abandonan, las imágenes lo hipnotizan y se le van metiendo en el alma, hasta que toma la decisión de abandonar por completo la economía para dedicarse a la fotografía. Es ahí donde Sebastiao rompe con su mundo conocido y tiene la valentía de aventurarse de lleno en una nueva dirección profesional sin importarle las consecuencias.

La fotografía toma por completo el control de su vida, y al comienzo de 1973 vuelven a Paris. Al principio Sebastiao trabaja como fotógrafo independiente y se une a la agencia fotográfica Sygma durante 1974. Durante los pocos meses que estuvo con Sygma fotografió historias en Portugal, Angola y Mozambique. Luego se une a la Agencia fotográfica Gamma en 1975 y trabaja en muchas historias alrededor de toda el África, Europa y Latinoamérica. En 1977 comienza un largo ensayo fotográfico sobre los campesinos y los indios de Latinoamérica. En 1979 Sebastiao deja la agencia Gamma y se une a la famosa agencia Magnum Fotos donde el laboraría por 15 años.

Mientras que trabajaba en muchos reportajes en varios países, para una variedad de revistas europeas y americanas, en 1984 termina su trabajo sobre los indios y los campesinos de Latinoamérica. Este trabajo fue publicado como su primer libro, llamado “las otras Américas”, el trabajo es inicialmente publicado en Francia, España y los Estados Unidos. Este es solo el primero de muchos otros trabajos publicados hasta la fecha por Sebastiao Salgado.

A diferencia de Gauguin (historia de la entrada anterior), Sebastiao Salgado nunca abandonó su esposa y sus hijos, Salgado parece haber tenido el apoyo irrestricto de su esposa Lelia para embarcarse en su nueva carrera, de hecho, a partir de 1991 ellos trabajan juntos y tienen su propia agencia fotográfica.

Debemos además recordar que Sebastiao tiene dos hijos, Juliano y Rodrigo, este último con Síndrome de Down. ¡Que valentía!, ¡Que coraje!, la del artista que lo arriesga todo y al arriesgarlo todo, triunfa y triunfa internacionalmente. El trabajo de Salgado a generado más de seis libros, una cantidad envidiable de exposiciones y ha sido honrado de múltiples maneras, incluyendo los numerosos premios y doctorados honorarios que Salgado ha recibido hasta ahora.

Los dejo con unas palabras de otro gran maestro de la fotografía, Ansel Adams,

“Todo lo que puedo hacer a través de mis escritos es estimular una cierta cantidad de pensamiento, clarificar algunos detalles técnicos y ponerle fecha a mis trabajos. Pero cuando yo predico nitidez, luminosidad, escala, etc., solo estoy vociferando palabras porque no hay palabras que realmente describan esos términos y cualidades, se requieren sean expresadas por la foto para decir, “aquí esta”. Ansel Adams.

All I can do in my writing is to stimulate a certain amount of thought, clarify some technical facts and date my work. But when I preach sharpness, brilliancy, scale, etc., I am just mouthing words, because no words can really describe those terms and qualities it takes the actual print to say, "here it is." - Ansel Adams

Artistas de la Ruptura I

2009-01-18T18:49:00.000-08:00

Artistas de la Ruptura I

En primer lugar debo disculparme, como todo bohemio que se precie de serlo, he roto con la disciplina de escribir en mi blog y estuve dedicado totalmente por un tiempo a resolver apremiantes situaciones familiares. Ahora bien, hoy día, ya en un país distinto, viviendo una vida distinta, retomo mis teclas y alzo mi mano derecha, me ruborizo de la vergüenza y prometo volver a publicar nuevas entradas a este blog todos los lunes, de manera que este blog aspira a convertirse en un semanario que pueda aportarle ideas, información y conocimientos de temas relacionados al mundo del arte.

En todo caso, ser bohemio y ser rebelde no es una máscara para evadirme del mundo y dedicarme a ser un indisciplinado, todo lo contrario, los verdaderos bohemios trabajan y se dedican aun mas que los dedicados a seguir la carrera de las ratas. La única diferencia está en que estos ultimos se conforman y abrigan con el status quo, y aquellos tienen el valor de ver más allá de las creencias y mentalidades actuales.

Y es que el verdadero artista, el verdadero bohemio rebelde, debe de tener coraje, tener el valor de salir adelante y seguir su anhelo sin importar las consecuencias que esto traiga. El verdadero artista no solo debe afrontar los momentos de ruptura con valentía, sino que debería hacerse el habito de la ruptura como una forma de vida aunque a veces la ruptura sea solo intelectual o con una obra, o con un estilo en particular. Ejemplos de esto abundan aunque siempre son pocos cuando los cobardes buscan excusas.

El caso de Eugene Henry Paul Gauguin, mejor conocido como Paul Gauguin, es un caso ejemplar y algo extremo. Desde pequeño fue un excelente estudiante, aprendió el idioma francés rápidamente luego del retorno de él con su familia a Orleans, en Francia, después de haber vivido en Perú. A los 17 años se une a la marina mercante y vuelve a Paris con 23 años de edad luego de asegurar un puesto como corredor de bolsa. Ahí Gauguin siguió una vida completamente acorde a los convencionalismos sociales de la época, en 1873 se casa y comparte los diez años siguientes de su vida con una mujer danesa llamada Mette Sophie Gad, con la cual tiene 5 hijos. Pero sucede algo curioso que de seguro tomo por sorpresa a sus contemporaneos.

Desde temprana edad Gauguin había estado interesado en las artes y dedicaba su tiempo libre a pintar, no conformándose con esto, el visitaba las galerías con frecuencia y compraba el arte de los artistas emergentes.

Luego de formar una amistad con Camille Pissarro fue conociendo a otros artistas y progresando tanto en su arte que decidió tener su propio estudio. Gauguin exhibió con sus amigos artistas los impresionistas en dos ocasiones, y dedicó dos vacaciones de verano a pintar con Camille Pissarro y ocasionalmente con Paul Cezanne. Su vocación, que siempre había estado ahí, fue tomando fuerza y control en su vida hasta que en 1885, cuando Gauguin contaba con 37 años, se dedicó completamente a su arte y abandonó por completo a su familia para dedicar toda su atención, todas las horas del día, solo a crear y a entregarse a su creación.

Su vida está llena de detalles interesantes que vale la pena conocer. Su impacto en el arte del siglo 20 fue profundo, influenció artistas tan importantes como Henri Matisse, Pablo Picasso, George Braque, Andre Derain, y movimientos artísticos tales como el Fauvismo, el Cubismo y el Orfismo entre otros. En las próximas cinco entradas voy a explorar a cinco artistas más de la ruptura, artistas que han tenido el valor de dejar caminos recorridos para explorar caminos nuevos, enigmáticos, y llenos de nuevas expectativas.

Los dejo con la siguiente frase de Gauguin:
- Yo soy un gran artista y yo lo sé. Es gracias a lo que soy que he soportado gran sufrimiento al perseguir mi vocación, si no lo hiciese me consideraría un deshonesto malvado – que es lo que mucha gente piensa en todo caso. OH bueno, que diferencia hace. Lo que más me perturba no es tanto la pobreza sino las cosas que perpetuamente obstaculizan mi arte y que yo siento no poder quitar del camino, y que yo las quitaría del camino sino fuese por esta pobreza que es como una camisa de fuerza. Tú me dices que me equivoco al mantenerme alejado del centro artístico. No, Yo estoy en lo correcto; Yo he sabido desde hace mucho tiempo lo que estoy haciendo, y el porqué lo estoy haciendo. Mi centro artístico está en mi cerebro y no en otro lado y yo soy fuerte porque nunca me salgo de curso gracias a otras personas y porque yo hago lo que está en mi.
Carta de Gauguin a su esposa, Mette.1892

I am a great artist and I know it. It's because of what I am that I have endured so much suffering, so as to pursue my vocation, otherwise I would consider myself a rogue — which is what many people think I am, for that matter. Oh well, what difference does it make. What upsets me the most is not so much the poverty as the things that perpetually get in the way of my art, which I cannot carry out the way I feel and which I would carry out if it weren't for the poverty that is like a straitjacket. You tell me I am wrong to stay away from the artist[ic] center. No, I am right; I've known for a long time what I am doing and why I am doing it. My artistic center is in my brain and nowhere else, and I am strong because I am never thrown off-course by other people and because I do what is in me.

Original: Je suis un grand artiste et je le sais. C'est parce que je le suis que j'ai tellement enduré de souffrances. Pour poursuivre ma voie, sinon je me considérerai comme un brigand. Ce que je suis du reste pour beaucoup de personnes. Enfin, qu'importe! Ce qui me chagrine le plus c'est moins la misère que les empêchements perpétuels à mon art que je ne puis faire comme je le sens et comme je pourais le faire sans la misère qui me lie les bras. Tu me dis que j'ai tort de rester éloigné du centre artistique. Non, j'ai raison, je sais depuis longtemps ce que je fais et pourquoi je le fais. Mon centre artistique est dans mon cerveau et pas ailleurs et je suis fort parce que je ne suis jamais dérouté par les autres et je fais ce qui est en moi.
Letter to his wife, Mette (Tahiti, March 1892).

La Bienal de Sidney

2008-07-14T04:38:00.000-07:00

En una oportunidad le pidieron a Pablo Picasso que definiese que era una obra de arte, a lo cual se dice que él respondió, ¿qué no lo es?. Y se podría decir que esa frase define el espíritu de La Bienal de Sídney que comenzó el 18 de junio y estará presentándose hasta el 07 de septiembre. Las obras presentes en la Bienal representan las diferentes etapas del arte contemporáneo, desde las obras de Marcel Duchamp hasta las más innovadoras instalaciones audiovisuales.

El Cambio en la Galería de Nueva Gales del Sur es evidente, sobre la estructura clásica, hecha de Sandstone (Arenisca), un artista aventurado tuvo el gusto de poder tomar una tiza y dejar sus ideas sobre las paredes, techo y columnas de la arquitectura neoclásica de la Galería, algo por demás divertido y bastante llamativo; como si el viejo edificio hubiese sido de pronto tomado por un grupo de bohemios, rejuveneciéndolo tanto por fuera como por dentro.

Dentro de la Galería se abrazan dos mundos del arte que comúnmente se juzgan separados, en las salas de Arte Clásico, el habitual silencio está ausente y las notas del piano y el violín llenan el espacio repleto de rostros solemnes y paisajes naturalistas sobrios que cuelgan en las paredes. Con la música pareciera que los viejos paisajes se iluminan y los rostros antiguos de oleo dejaran escapar una sonrisa por largo tiempo escondida.

En las Salas contiguas, separadas solo por un pasillo que divide a la galería en dos partes, como un Orinoco lleno de historia, dos artistas contemporáneos pintaban las paredes de la galería de blanco, y al terminar, comenzaban a pintarlas de negro, para al terminar, volverlas a pintar de color blanco.

Dos mundos del arte completamente antagónicos, besándose bajo un mismo espacio.

La Bienal no está limitada a la Galería de Arte de NSW, se extiende de ahí hasta las Isla Cockatoo pasando por el Pier 2/3, el museo de arte contemporáneo, el parque botánico Real, el Opera House y ARTSPace. En todos estos puntos se encuentran obras expuestas para el disfrute de todo aquel interesado en pasar un día o mas, inmerso en el Arte.

Todo el evento que de por si esta excelente, es además, gratuito. Las Obras provienen de todos los países del mundo y exponen todas las corrientes modernas del arte contemporáneo. Entre todas ellas, tuve el placer de encontrarme con una obra del Maestro Soto, que sin duda alguna dejaba sorprendidos a los asistentes. Siempre es bueno, cuando uno vive en países extranjeros, encontrarse con personas que comparten la misma cultura, así me sentí yo cuando vi la obra de Soto visitándome en Sídney. Locuras tal vez, de un bohemio rebelde.

Con mas 180 artistas exponiendo sus obras, He aquí el link oficial a la Bienal, ¡Que disfruten!

http://www.bos2008.com/app/biennale

Entre el Arte y los negocios

2008-06-04T03:09:00.000-07:00

Para el artista el mundo del comercio es comúnmente como un tanque de agua lleno de tiburones del cual se debe nutrir para mantenerse vivo pero sin dejar que los tiburones se lo coman. Y es que en el arte son numerosísimas las historias de artistas que han muerto pobres solo para hacer millonarios a quienes luego venden el producto artístico sin siquiera tener que pagar a la familia del artista los derechos de autor. Esto ocurre sobre todo en el caso de los artistas plásticos ya que su arte normalmente se transfiere como la venta de un producto cualquiera terminado, que incluso desde el punto de vista legal podría ser objetable debido a la posibilidad de reproducción de la pintura, video, o escultura, con fines económicos.

Hay artistas que a pesar de mantenerse en el mundo del “Fine Arts” logran desarrollar productos con la finalidad de masificar su arte y aumentar el mercadeo de su propuesta artística. Jeff Koons ( http://www.jeffkoons.com) por ejemplo, es un caso típico en el cual encontramos que el artista publica libros donde se muestran sus obras y estos libros son otro producto generador de ganancias. En otros casos, el artista o algún dueño de su obra logran retener los derechos de reproducción y a través de estos generar ganancias aun mayores que las generadas por la obra en sí.

¿Cómo es esto posible?, imaginemos por ejemplo, un calendario que contenga las reproducciones de las obras de Botero, estos pueden ser vendidos masivamente, y al venderlos pueden producir una ganancia que supere el valor obtenido por la venta de la obra original.

Ahora bien, dicho todo lo anterior, uno se pregunta, entonces ¿porque no todos los artistas toman ventaja de los derechos elementales y subsiguientes de sus obras?, ¿Por qué no todos aprovechan las ventajas que la Ley ofrece para sacarle una mayor ganancia a su producción artística?, y la razón es que muchos artistas no tienen el menor interés en tener que lidiar con dos asuntos elementales, el primero de ellos, los derechos otorgados por la ley al artista sobre su obra, y el segundo asunto, igualmente elemental, el manejo concienzudo del dinero producto de las obras vendidas. Estos errores de comportamiento llevan a que se presenten casos donde los artistas, aun los más avezados comercialmente, son despojados de cantidades enormes de dinero sencillamente por carecer de interés en administrar su éxito de una manera responsable y económicamente sostenible.

Un ejemplo que clarifica lo anterior lo podríamos ver en Ken Done,( http://www.kendone.com/) un artista australiano de éxito que además de tener una galería en el precinto artístico de Sídney tiene tiendas donde vende productos de todo tipo que han sido impresos con los diseños de sus cuadros. El éxito de su modelo de negocios ha sido increíble, pero tan exitoso que decidió dar sus ganancias a un corredor de bolsa para su administración y hoy día está demandando al mismo debido a la perdida dolorosa de cientos de miles de dólares. Así que no es solo necesario tener la capacidad de llevar nuestra creatividad a sus límites, es necesario también el saber administrar la producción artística como un negocio.

THE ARTIST'S WAY

2008-05-24T05:17:00.000-07:00

The Artist’s Way

Hace años que sustituí la iglesia por la tienda de libros. Alrededor de los libros me siento arropado por la sabiduría del mundo y compartiendo en fraternidad con el género humano todas las desgracias y felicidades que en este mundo estamos condenados a experimentar.

En un trance de curiosidad, ojeando portadas y prólogos, me encontré un libro que llamo profundamente mi atención. Tal vez porque me era necesario leerlo, o me estaba destinado el leerlo. Su primera edición fue hace más de diez años y sigue siendo impreso hoy día, y gracias al tema que desarrolla podría seguir siendo impreso durante muchos años más. Esta escrito por una artista, y dirigido a los artistas, tal vez no a todos ellos, sino especialmente a los que sufren luchas interiores o deben ignorar a quienes les rodean para dejar fluir su creatividad.

La autora, Julia Cameron, desarrolla un programa de 12 semanas con la finalidad de rescatar el lado artístico de nuestro ser y desencadenar las fuerzas creativas que claman ser liberadas. La autora sufrió en carne propia las batallas personales y artísticas, que la llevaron a la escritura del mencionado libro.

“The Artist’s way” tuvo su origen en anotaciones tomadas durante el tiempo en que Julia ejerció como profesora del NEW YORK FEMINIST ART INSTITUTE, donde ayudaba a los artistas de toda índole, poetas, pintores, novelistas, y productores de cine, a superar los bloqueos creativos. Fue así que desarrollo un programa completo, basado no en poca medida en el programa de los Alcohólicos Anónimos, para rescatar el artista que muchos llevamos dentro. El rescate comienza con la utilización de dos herramientas elementales, los que la autora llama, las páginas mañaneras y la cita del artista.( The morning pages and the artist dates). Según Julia, con estas dos herramientas es posible “la recuperación creativa”.

Debo confesar que al comenzar a leer el libro me pareció algo exagerada la espiritualidad de las primeras páginas, pero al ir pasando las paginas y al descubrir la intención de la autora se comprende el por qué es necesario en todo artista el tener una fe espiritual de algún tipo. El crear es un acto de fe y la fe requiere la existencia de la espiritualidad en alguna medida. Esta obra es sumamente valiosa, uno puede notar como el cambio se va gestando a medida que uno avanza en el programa.

Para todos aquellos que en alguna oportunidad hayan tenido que lidiar con el bloqueo creativo, así como con un ambiente anti-artístico a su alrededor, este libro debe ser un paso necesario en alcanzar la plenitud creativa.

El saber qué es lo que tu prefieres
En vez de decir humildemente Amen a lo
Que el mundo te dice que tú debes preferir,
Es el haber mantenido tu alma viva.
Robert Louis Stevenson

Título del libro Recomendado: The Artist’s Way.
Nombre del autor: Julia Cameron.

CONTENIDO DEL PROXIMO ARTICULO.....SECRETO, HASTA EL PROXIMO SABADO.

Going Professional II

2008-05-18T01:10:00.000-07:00

Going professional
Segunda parte

Los instrumentos de mercadeo pueden ser de lo más diversos, desde un currículo vitae de nuestra vida artística hasta una lista de contactos que te pueden ayudar a alcanzar la meta que pretendes lograr. La artista nos recomienda utilizar todos los instrumentos tecnológicos al alcance de la mano de todo aquel que tenga acceso al uso de una computadora, bien sea propia o ajena. El tener una página web, la utilización de programas como el Iphoto entre otros pueden ser herramientas de publicación de tus trabajos que además de ser efectivas, son de muy bajo costo.

Para el artista que está intentando comercializarse, o trabajar profesionalmente en su arte, es importante que el mismo conozca su mercado, es clave que investigue y analice las vías de comercialización y cuál es el mercado en el que piensa desenvolverse. En el caso de un pintor, o un artista plástico por ejemplo, este debería saber cuáles son las galerías más importantes, cuáles son los estilos de arte representados en tales galerías, cuáles son las galerías públicas, las privadas, las gerenciadas por grupos de artistas, quiénes están comprando y vendiendo arte, quiénes hacen representaciones de artistas o son agentes.

Muchos leerán esto y pensaran, ¿no era la comercialización del arte una prostitución del artista?. Pues bien, ese es un viejo paradigma, un paradigma que no tiene mucho sentido en una era donde grandes artistas han tenido la oportunidad de tener grandes ingresos, Botero, Picasso, Dalí, y muchos otros, incluso desde el Renacimiento tuvieron la oportunidad de tener una calidad de vida estimable gracias a los ingresos provenientes de su arte. A lo cual ni María Fernanda Cardoso, ni quien escribe estas líneas, se opone en absoluto. En todo caso, ese es un tema al cual deberá enfrentarse cada artista individualmente y hacer lo que mejor le convenga de acuerdo a sus circunstancias particulares.

Ahora bien, para aquellos que no nos da miedo el éxito económico gracias al éxito artístico es importante que el artista desarrolle su estrategia y plan de negocios. Tu arte es un producto, es necesario que sepas cómo venderlo, cómo ponerlo en la calle, cómo mercadearlo. Definitivamente algunas habilidades de negocios lejos de destruir tu arte podrían enaltecerlo. Saber el hacer una factura, saber cobrar, saber cómo hacer nuestra declaración de impuestos, tener algo de conocimiento financiero y un plan de negocios, no solo son necesarios a la hora de comercializar tu arte, sino que además reflejan la seriedad de tu determinación en alcanzar el estatus de profesional a través de tu producción artística.

Nos indica la artista que nuestro foco no debe estar solo en producir arte, o en mercadear nuestro arte, sino en aprender a vivir como un artista. Se debe trabajar (en nuestro arte) para aprender, para experimentar, tener experiencias, y conocer gente en el medio al cual aspiramos a pertenecer.

Debemos saber qué deseamos alcanzar, y después perseguir ese sueño. Qué es lo necesario para lograr alcanzarlo, en palabras de María Fernanda, lo siguiente: es necesaria la ambición, es necesario el estar enfocado, concentrado en un objetivo, es necesaria la visión de saber que queremos alcanzar, es necesaria la imaginación para darle impulsos creativos a nuestra carrera, es necesaria la perseverancia, y es necesario el tiempo, dedicarle tiempo a nuestro arte, y aprovechar el tiempo, así como también darnos el tiempo necesario para alcanzar las metas propuestas.

Luego de la artista habernos dado tanta información útil y esclarecedora quiso compartir con nosotros lo que ella llamó, perlas de sabiduría, que ciertamente lo son. Y son las siguientes:
Perlas de sabiduría para un artista,
- Piensa a largo plazo.
- Trabaja al máximo, juega al máximo.
- Usa tu cerebro. Piensa.
- Ten una vida interesante.
- Ve cuanto puedas del mundo.
- Persigue tus propios intereses.
- Se original.
- Ten el propósito de ser el mejor, ser excelente.
- Ten grandes metas.
- Convierte lo negativo en positivo.

Y fue así que terminó nuestra tarde de curso con la afamada artista María Fernanda Cardoso. Espero que les sea de utilidad a todos los amigos artistas que visitan este blog y que están haciendo de su arte un modo de vida.

En la próxima entrega, el análisis de un libro escrito por una artista profesional para todos los artistas, un libro que ha cambiado la vida de muchos artistas de una manera increíblemente positiva…….Hasta el Próximo Sábado

GOING PROFESSIONAL

2008-05-10T03:10:00.000-07:00

“Going Professional”
Primera Parte

Era una tarde de verano con una temperatura perfecta. Desde el piso 4 del museo de arte contemporáneo de Sídney, un viejo pero en perfecto estado edificio de los años 40 se podía observar la Casa de la Opera con su radiante color blanco.

Para mí, era algo así como una tarde fuera de la realidad. Salir de mi realidad de desempleado para entrar en otra realidad más alegre, la del aspirante artista, o curioso del arte. Por unos cuantos dólares tenia el privilegio de formar parte de un grupo selecto que pasaría la mayor parte de la tarde compartiéndola con la artista María Fernanda Cardozo.

Ella con sus veinte años de experiencia, y estudios en Yale University, estaba ahí para darnos cuanto conocimiento fuese posible en unas cuantas horas sobre el arte de ser un artista profesional.

En primer lugar, es importante tener un ídolo, tener un héroe, o héroes, que hayan logrado alcanzar lo que nosotros, los aspirantes a artistas, pretendemos alcanzar. María tiene los suyos, Louise Bourgeois, Marcel Duchamp, Joseph Beuys, Andy Warhol entre otros.

Además de lo anterior es importante tener una mezcla sana de ambición e imaginación. Es importante el pensar que se quiere ser en el futuro, el preguntarse qué es lo que se quiere alcanzar, cual es la carrera que se quiere desarrollar y que es lo necesario para llegar ahí. Por lo cual es importante tener tanto sueños personales como sueños profesionales. Estos sueños deben traducirse en metas. Y estas metas deben alcanzarse en periodos de tiempo determinados, metas para ser alcanzadas en seis meses, metas para ser alcanzadas en 1 ano, y metas para alcanzarse en cinco anos. Luego de haber meditado profundamente sobre estos temas, y poner en escrito nuestros objetivos es entonces cuando debemos pensar estratégicamente sobre qué es lo que necesitamos para llegar allí. Es así cuando las habilidades en administración del tiempo juegan un rol importante.

Debemos entonces crear tiempos limites ( escribiré tantas páginas antes del viernes, pintare tantos cuadros antes de terminar el mes, creare dos nuevos diseños antes del lunes, etc) y ayudarnos de calendarios, alarmas, listas de “cosas por hacer” y priorizar para que logremos esos pequeños triunfos que anteceden siempre a todos los triunfos mayores.

Una vez que el plan está hecho, es necesario entonces, trabajar en base al plan. Es decir, Crear, y documentar suficientemente nuestro trabajo creativo, por ejemplo, en el caso de un artista plástico sería importante documentar cual es el título, el medio, el año, las dimensiones, etc. Todo esto con el objetivo de tener material informativo suficiente para crear nuestro portafolio y algunos instrumentos de mercadeo. Continuará……

Caricaturas de la Vida

2008-04-28T03:19:00.000-07:00

Ya que una de las funciones de este mal nacido blog es desmitificar la produccion artistica para que en Venezuela y en latinoamerica haya mas y mejor produccion artistica, que mejor que comenzar con alguien que se toma el arte en serio para hacer burla. Desde el mundo de la caricaturas, y ejerciendo en este momento su arte a traves del periodico Tal Cual de Venezuela habla con todos nosotros por primera vez, el caricaturista Roberto Weil.

1) Que te llevo al mundo de las caricaturas? Como comenzo todo ?

Todo empezó en el colegio, en la calle macareo, en la tele (hombre par, fantasmagórico, monstruos del espacio, el robot gigante..etc.….series japonesas, el chavo del ocho), en las historietas (asterix, mortadelo y filemon, condorito…). fue con el lápiz y el papel como creábamos el mundo que estaba en nuestra imaginación, en las historietas, en la tele…. la competencia para ver quien dibujaba mejor…me refiero al grupo de niños del colegio y del vecindario….fue mi primera obsesión…la primera actividad consiente donde quise destacar.

2) Como pasaste de dibujar en privado a dibujar para un público?

Cuando ya tenía muchos dibujos guardados….un profesor de la universidad de amherst los vio y me propuso hacer unas chapas para una campaña de alimentación…luego en el paredón de tenis de la universidad de Massachusetts dibuje un logo deportivo…y así comencé el trabajo para publicación…el dibujo pagado.

3) Se te motivo en tu infancia a perseguir una carrera en las artes? o llegastes a estas por accidente?

no…solo me interesaba dibujar bien…bien para mi…y es lo que sigo persiguiendo…que mis dibujos me gusten a mí….da la casualidad que el dibujo es arte.

Yo llegué al dibujo porque lo amo….. a la publicación llegué por accidente….pero era obvio que la publicación tenía que llegar pues me gusta el dinero y trato de vivir bien.

4) Como es el día a día de un caricaturista?

Todos los días me despierto y me preparo mentalmente, todavía en la cama, para los dibujos que tengo que enfrentar ese día…luego me levanto…desayuno oyendo las noticias…empiezo dibujar y leer los periódicos…almuerzo…duermo…vuelvo a dibujar o pintar….camino o subo al cerro…regreso y ceno….tal vez dibujo de nuevo o converso con mi esposa o veo tele…me duermo.

5) Como funciona el proceso de edición y selección de tu material?

Hago muchos bocetos de dibujos donde plasmo ideas….luego escojo para ese día y guardo para días siguientes.

6) lo haces tú? o es decidido por otro?

Yo decido todo…y muy muy pocas veces me han pedido repetir el trabajo.

7) Es tu arte direccionado, intencional, con línea editorial, o es libre y autónomo?

Es un reflejo de lo que percibo, un reflejo de mis influencias…es una mezcla de todo lo que percibo pasado por el filtro de mi “cerebro”.

8) Cual es tu paso siguiente? el siguiente escalón en tu carrera?

El siguiente paso no lo sé…pero será sin duda resumirme…..ahora estoy transitando dinámicamente por las caricaturas políticas y humorísticas…eso es lo que me rige, me esclaviza actualmente…en los espacios hago mis pinturas y mis encargos de dibujo.

9) Si pudieses desarrollarte en otra área artística, o si ya lo estás haciendo, cuales son estas? o esta?

Creo que lo que me queda de vida se lo dedicaré a lo que hago…dibujar…..mientras haya desarrollo, mientras no suelten las bombas atómicas.

10) Se puede vivir materialmente hablando del arte en Venezuela?

Si se puede…si tienes suerte, o si te sabes mover….yo creo que he tenido suerte.

11) Tiene tu arte salida internacional?, te gustaría que la tuviese?

Si lo tiene y creo que está incrementando la demanda en el extranjero.

12) Si hablamos de apoyo gubernamental, o de comunidad artística en general, consideras
que existen en Venezuela?

Siempre he sido muy individualista…nunca he buscado pertenecer a grupos….siempre he buscado el apoyo de mi mismo….no se casi nada de gremios o comunidades artísticas.

13) Si hubieses hecho lo que tu familia deseaba que tu hicieras a la hora de elegir una carrera, que serias hoy dia?

Bueno yo siempre busqué hacer lo que a mi familia le parecía correcto…por eso estudié ingeniería…por inseguridad propia..Por imitar la carrera de mi papá…por miedo a ganarme la vida dibujando…el vivir del dibujo me parecía sinónimo de palar bolas….lo cual es bastante cierto.. gracias a dios a mi me ha ido bien….y fue de grande a los 30 años, cuando decidí dedicarme únicamente a dibujar….al fin y al cabo es cierto eso de que “si te dedicas a una cosa que amas nunca vas a pasar hambre” …la verdad es que eso lo había oído de otra manera, pero lo acabo de escribir de una forma que no la había leído….así que puedes ponerlo como un pensamiento mío…algo que podría poner en mi lápida….aunque pienso incinerarme y regar mis cenizas en mi jardín…pero podría poner una lápida (mía) en mi jardín.

Gracias,

rob.

En la proxima entrada, estaremos hablando de "Going Professional", un curso presentado por la artista plastica internacional de origen colombiano, Maria Fernanda Cardozo en la ciudad de Sydney. Si te gustan las artes,o algun dia piensas vivir de ellas, o sencillamente sientes curiosidad por el ejercicio de la creatividad, entonces visita este blog regularmente. Sera un gusto, darte mi arte,

Atentamente,
el Bohemio Rebelde

Lo que sigue....

2008-04-22T04:00:00.000-07:00

Los que tuvieron el infortunio de leer mis primeras publicaciones o lo que yo me atrevería a llamar valiente y descaradamente mis editoriales, tranquilos, no es momento aun de asustarse, lo peor viene luego.
Como todo medio de comunicación que se presente como tal tiene la costumbre de revelar sus intenciones falsas para esconder así las verdaderas, yo me he tomado la molestia de revelar las verdaderas para que luego no haya nada que ocultar. Y como he dicho, este será un espacio libre, o mejor dicho, un espacio controlado despótica y dictatorialmente por mi imaginación que tendrá temas de toda índole dedicados al arte en sus diversas presentaciones y orientaciones, es ahí donde está la libertad mencionada.
Ahora bien, el objetivo es tratar esos temas desde un punto de vista que sirva de orientación hacia la práctica de esas artes. Planeo tener aquí un espacio donde publique entrevistas, experiencias, y contenidos recogidos de lecturas y cursos referentes a las artes.
Para las próximas publicaciones estaremos conversando virtualmente con el caricaturista Roberto Weil de Venezuela, extractos de un curso presentado por la artista internacional plástica María Fernanda Cardozo, y muchísimos otros temas que espero sirvan de guía, de motivación, o al menos de esparcimiento intelectual para todos aquellos interesados en el mundo de las artes.
Como todo buen bohemio, iré hacia los temas a los cuales me lleve la inspiración, como todo buen bohemio, escribiré cuando me entren ganas, y como todo buen bohemio, solo yo, y mi libre albedrío serán los editores de esta página. Espero la disfruten tanto como yo la disfruto escribiéndola, sino es así, no importa, igual seguiré escribiéndola. Un saludo a todo mi público invisible. Pronto les escribo de nuevo para entrar en materia!!!

Publiquese e ignorese (por favor no subvertir el orden establecido)

2008-04-20T04:00:00.000-07:00

Despues de haber puesto este blog por mas de tres meses al aire de la ciberatmosfera y haber comprobado que mis palabras no han sido leidas sino por mi mismo, entonces, decido hacer publico mi blog ya que compruebo la ineficencia existencial de mis palabras, y eso me da un animo increible, ya que ellas comparten conmigo una existencia futil, efimera, e insignificante que por el mismo hecho de tener esas cualidades las hacen profundamente importantes.

Todo es pasajero, todo es el instante, aqui estaremos unos cuantos amaneceres y mejor que sepamos para que amanecer, ya que como decia platon, la vida que no es examinada, no vale la pena vivirla. Por lo tanto, decido romper un silencio de 30 anos para darle la palabra a mi alter ego, a mi otro yo, al que he sido todo este tiempo que no he sido yo. El artista. Mierda, como me pesa la palabra, casi me da panico escribirla, esta mentalidad aun no lo suficientemente bohemia me hace sentir como si la palabra artista fuese una groseria de proporciones innimaginables, algo asi, como decirle hijo de puta a toda la poblacion china entera. Pero ya esta ahi, escrita, colgando de alguna ciberesfera en este cibermundo de los blogs.

Esta escrita en un espacio libre, y es que solo en un espacio libre puede realmente escribirse la palabra artista. Artista porque?, porque vivo y me nutro de la escritura, de la pintura, y de las artes escenicas. Lo demas, es carpinteria, darle al martillo de las horas para llenar este cuerpo de comida y proveerle de alojamiento. Pero vivo, siento, y me cresco, me divido, me multiplico, me conecto con este mundo, esta existencia, a traves de un solo medio, el arte. Todo lo demas es y ha sido caratula. Si, lo siento, lo siento mucho mis queridos y aburridos amigos, he sido en parte hipocrita durante la mayor parte de mi existencia, pero sobre todo, hipocrita conmigo mismo, por no atreverme a mostrar una parte elemental, esencial, y unica de mi naturaleza que de haber revelado antes me hubiese tal vez causado mas dolores de cabeza de los que aun me causa. Decirles eso a uds que solo les interesa el dinero, las carreras de formula uno, los movimientos de una pelota en un partido de futbol y la modelo de turno hubiese sido como cometer el harakiri social que ahora me siento muy feliz de estar llevando a cabo, porque la realidad es que ahora me importa muy poco lo que uds, o todos los demas piensen, me he recobrado a mi mismo y por mas que digan, y digan y digan, no pienso soltarme de la mano y dejar que mi alter ego se unda en el oceano de la aburrida cotidianidad.

Este soy yo, y aqui permanecere, desde ahora y siempre, un bohemio rebelde. Salud.

Mas alla de las apariencias

2007-12-31T18:51:00.000-08:00

El bohemio debe traspasar la fachada de las apariencias, saltarse los prejuicios y ver mas alla de los arreglos ornamentales para observar lo que realmente se esconde en el alma de los demas. Pasa la navidad y con ella pasa la felicidad, una felicidad que en muchas ocasiones es forzada, tal vez una felicidad mascara, o una felicidad escape. Y aunque no soy psicologo, ni pretendo serlo, la navidad es un momento creado, feliz porque lo consideramos feliz, no porque en si traiga consigo la felicidad. Todo aquel que haya pasado una navidad triste sabe de lo que hablo. En nuestras tierras latinoamericanas las apariencias casi lo gobiernan todo, importa mas el parecido que el contenido. Y ante esto el bohemio debe revelarse sobre todo ignorando a ultranza el que diran.
Pruebas de lo que aqui escribo abundan en el dia a dia latinoamericano, un ejemplo basico es la costumbre ampliamente practicada bajo la cual, se abandona la casa de los padres solo cuando uno esta listo para comprometerse en matrimonio, otra institucion llena de hipocresia en nuestras tierras. Recientemente estuve de visita el tiempo suficiente en uno de nuestros paises, porque yo vivo entre dos mundos y tuve la experiencia nada alentadora de sufrir el latigeo incesante de la lengua chismosa y criticona de nuestra cultura. Pareciera que nuestro motto fuese "critica o seras criticado". Todo es criticable en latinoamerica, hasta la forma de vida de los demas aunque estos no hagan mal a nadie. Todo aquel que se aleje de la norma, que salga defectuoso de la linea de produccion del mercado, todo aquel que tenga la valentia de pensar y de manifestar sus opiniones, todo aquel que decida crear su propio estilo, vestirse a su moda, hacer lo que le venga en gana, todo aquel que se atreva a eso, debera sufrir los embates de la guillotina bucal que todo latinoamericano tienen a su alcance. Seria interesante que en estos nuevos 365 dias que nos esperan muchos bohemios tuviesemos la valentia de ser lo que somos, y vivir como vivimos. Salud a todos y a nadie.

El bohemio rebelde

Bohemio rebelde?...Que es y para que?

2007-12-20T12:08:00.000-08:00

Bohemio rebelde es un espacio libre, un grito desesperado desde el anonimato para romper con el aburrimiento caustico de la sedimentada sociedad latinoamericana. Este es un espacio para aquellos que se salen de la norma, no por moda, no por pose, sino por necesidad de ser libres, de respirar sin ataduras y de vivir la vida al maximo. Vivir una vida al maximo a nivel de la piel, los sentidos, de lo hermoso, del arte, de la literatura, de las artes escenicas y cinematograficas, del sexo. Los bohemios rebeldes no creemos en el pecado, lo ejercemos; los bohemios rebeldes no creemos en palabras prohibidas, las inventamos; los bohemios rebeldes caminamos las calles en silencio como infiltrados en sociedades que se nos hacen ajenas porque no comparten nuestra forma de ser, de pensar, de vivir, de gozar, de amar la vida por sobre todas las cosas y las personas.

Aqui, en este espacio se escribira de todo un poco, pero basicamente de las cosas que a mi me interesan y las que le puedan interesar a mis lectores, si es que en algun momento llegue a haber alguno. Si no es asi, si esto resulta ser una lagrima solitaria cibernetica perdida en la red, pues que asi sea.....algun dia alguien le dara encuentro y empezaremos el amanecer de la ciber bohemia.....

un abrazo a todos,

El Bohemio Rebelde.