Artistas de la Ruptura II

En la entrada anterior escribí sobre Gauguin y de cómo término aportando una nueva forma de pintar luego de abandonar el viejo mundo y su familia para entregarse de lleno a la pintura en las islas del pacifico. Pero casos como el de él, donde el artista ha dejado toda una carrera atrás para dedicarse al arte son comunes. En esta entrada veremos el caso de un gran fotógrafo, que ha sido llamado por muchos, uno de los mejores fotógrafos de nuestro siglo.

Sebastiao Salgado nace en Brasil el 8 de Febrero de 1944, en el pueblo de Aimores, en el estado de Mina de Gerais, pueblo que abandona en 1960 para poder proseguir sus estudios. Completa su educación secundaria en 1962 y al año siguiente inicia los estudios universitarios; decide estudiar economía culminando sus estudios en 1967, año en que se casa con Lelia Deluiz Wanik.

Se van juntos a la ciudad de Sao Paulo donde Sebastiao hace una maestría en Economía, mientras su esposa termina sus doce años de estudios de conservatorio de piano. Para el año 1969 se mudan a Paris, donde Sebastiao prosigue sus estudios en economía y obtiene un doctorado en la materia, mientras su esposa comienza estudios de arquitectura en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes. En 1971 se mudan de nuevo, esta vez, a Londres, donde Sebastiao trabajó como economista para la Organización Internacional del Café. Como parte de este trabajo empieza a viajar continuamente a África en misiones afiliadas al Banco Mundial.

Es en estas misiones donde Sebastiao Salgado comienza a tomar fotografías. Hasta ese momento Sebastiao no tenía ni siquiera una cámara fotográfica, toma prestada una cámara fotográfica de su esposa y la cámara se apodera de él. A medida que va haciendo sus fotografías se da cuenta del placer incomparable que lo arrebata cada vez que utiliza la cámara.

Al volver a Londres las fotos que se lleva con él no lo abandonan, las imágenes lo hipnotizan y se le van metiendo en el alma, hasta que toma la decisión de abandonar por completo la economía para dedicarse a la fotografía. Es ahí donde Sebastiao rompe con su mundo conocido y tiene la valentía de aventurarse de lleno en una nueva dirección profesional sin importarle las consecuencias.

La fotografía toma por completo el control de su vida, y al comienzo de 1973 vuelven a Paris. Al principio Sebastiao trabaja como fotógrafo independiente y se une a la agencia fotográfica Sygma durante 1974. Durante los pocos meses que estuvo con Sygma fotografió historias en Portugal, Angola y Mozambique. Luego se une a la Agencia fotográfica Gamma en 1975 y trabaja en muchas historias alrededor de toda el África, Europa y Latinoamérica. En 1977 comienza un largo ensayo fotográfico sobre los campesinos y los indios de Latinoamérica. En 1979 Sebastiao deja la agencia Gamma y se une a la famosa agencia Magnum Fotos donde el laboraría por 15 años.

Mientras que trabajaba en muchos reportajes en varios países, para una variedad de revistas europeas y americanas, en 1984 termina su trabajo sobre los indios y los campesinos de Latinoamérica. Este trabajo fue publicado como su primer libro, llamado “las otras Américas”, el trabajo es inicialmente publicado en Francia, España y los Estados Unidos. Este es solo el primero de muchos otros trabajos publicados hasta la fecha por Sebastiao Salgado.

A diferencia de Gauguin (historia de la entrada anterior), Sebastiao Salgado nunca abandonó su esposa y sus hijos, Salgado parece haber tenido el apoyo irrestricto de su esposa Lelia para embarcarse en su nueva carrera, de hecho, a partir de 1991 ellos trabajan juntos y tienen su propia agencia fotográfica.

Debemos además recordar que Sebastiao tiene dos hijos, Juliano y Rodrigo, este último con Síndrome de Down. ¡Que valentía!, ¡Que coraje!, la del artista que lo arriesga todo y al arriesgarlo todo, triunfa y triunfa internacionalmente. El trabajo de Salgado a generado más de seis libros, una cantidad envidiable de exposiciones y ha sido honrado de múltiples maneras, incluyendo los numerosos premios y doctorados honorarios que Salgado ha recibido hasta ahora.

Los dejo con unas palabras de otro gran maestro de la fotografía, Ansel Adams,

“Todo lo que puedo hacer a través de mis escritos es estimular una cierta cantidad de pensamiento, clarificar algunos detalles técnicos y ponerle fecha a mis trabajos. Pero cuando yo predico nitidez, luminosidad, escala, etc., solo estoy vociferando palabras porque no hay palabras que realmente describan esos términos y cualidades, se requieren sean expresadas por la foto para decir, “aquí esta”. Ansel Adams.

All I can do in my writing is to stimulate a certain amount of thought, clarify some technical facts and date my work. But when I preach sharpness, brilliancy, scale, etc., I am just mouthing words, because no words can really describe those terms and qualities it takes the actual print to say, "here it is." - Ansel Adams

Artistas de la Ruptura I

Artistas de la Ruptura I

En primer lugar debo disculparme, como todo bohemio que se precie de serlo, he roto con la disciplina de escribir en mi blog y estuve dedicado totalmente por un tiempo a resolver apremiantes situaciones familiares. Ahora bien, hoy día, ya en un país distinto, viviendo una vida distinta, retomo mis teclas y alzo mi mano derecha, me ruborizo de la vergüenza y prometo volver a publicar nuevas entradas a este blog todos los lunes, de manera que este blog aspira a convertirse en un semanario que pueda aportarle ideas, información y conocimientos de temas relacionados al mundo del arte.

En todo caso, ser bohemio y ser rebelde no es una máscara para evadirme del mundo y dedicarme a ser un indisciplinado, todo lo contrario, los verdaderos bohemios trabajan y se dedican aun mas que los dedicados a seguir la carrera de las ratas. La única diferencia está en que estos ultimos se conforman y abrigan con el status quo, y aquellos tienen el valor de ver más allá de las creencias y mentalidades actuales.

Y es que el verdadero artista, el verdadero bohemio rebelde, debe de tener coraje, tener el valor de salir adelante y seguir su anhelo sin importar las consecuencias que esto traiga. El verdadero artista no solo debe afrontar los momentos de ruptura con valentía, sino que debería hacerse el habito de la ruptura como una forma de vida aunque a veces la ruptura sea solo intelectual o con una obra, o con un estilo en particular. Ejemplos de esto abundan aunque siempre son pocos cuando los cobardes buscan excusas.

El caso de Eugene Henry Paul Gauguin, mejor conocido como Paul Gauguin, es un caso ejemplar y algo extremo. Desde pequeño fue un excelente estudiante, aprendió el idioma francés rápidamente luego del retorno de él con su familia a Orleans, en Francia, después de haber vivido en Perú. A los 17 años se une a la marina mercante y vuelve a Paris con 23 años de edad luego de asegurar un puesto como corredor de bolsa. Ahí Gauguin siguió una vida completamente acorde a los convencionalismos sociales de la época, en 1873 se casa y comparte los diez años siguientes de su vida con una mujer danesa llamada Mette Sophie Gad, con la cual tiene 5 hijos. Pero sucede algo curioso que de seguro tomo por sorpresa a sus contemporaneos.

Desde temprana edad Gauguin había estado interesado en las artes y dedicaba su tiempo libre a pintar, no conformándose con esto, el visitaba las galerías con frecuencia y compraba el arte de los artistas emergentes.

Luego de formar una amistad con Camille Pissarro fue conociendo a otros artistas y progresando tanto en su arte que decidió tener su propio estudio. Gauguin exhibió con sus amigos artistas los impresionistas en dos ocasiones, y dedicó dos vacaciones de verano a pintar con Camille Pissarro y ocasionalmente con Paul Cezanne. Su vocación, que siempre había estado ahí, fue tomando fuerza y control en su vida hasta que en 1885, cuando Gauguin contaba con 37 años, se dedicó completamente a su arte y abandonó por completo a su familia para dedicar toda su atención, todas las horas del día, solo a crear y a entregarse a su creación.

Su vida está llena de detalles interesantes que vale la pena conocer. Su impacto en el arte del siglo 20 fue profundo, influenció artistas tan importantes como Henri Matisse, Pablo Picasso, George Braque, Andre Derain, y movimientos artísticos tales como el Fauvismo, el Cubismo y el Orfismo entre otros. En las próximas cinco entradas voy a explorar a cinco artistas más de la ruptura, artistas que han tenido el valor de dejar caminos recorridos para explorar caminos nuevos, enigmáticos, y llenos de nuevas expectativas.

Los dejo con la siguiente frase de Gauguin:
- Yo soy un gran artista y yo lo sé. Es gracias a lo que soy que he soportado gran sufrimiento al perseguir mi vocación, si no lo hiciese me consideraría un deshonesto malvado – que es lo que mucha gente piensa en todo caso. OH bueno, que diferencia hace. Lo que más me perturba no es tanto la pobreza sino las cosas que perpetuamente obstaculizan mi arte y que yo siento no poder quitar del camino, y que yo las quitaría del camino sino fuese por esta pobreza que es como una camisa de fuerza. Tú me dices que me equivoco al mantenerme alejado del centro artístico. No, Yo estoy en lo correcto; Yo he sabido desde hace mucho tiempo lo que estoy haciendo, y el porqué lo estoy haciendo. Mi centro artístico está en mi cerebro y no en otro lado y yo soy fuerte porque nunca me salgo de curso gracias a otras personas y porque yo hago lo que está en mi.
Carta de Gauguin a su esposa, Mette.1892

I am a great artist and I know it. It's because of what I am that I have endured so much suffering, so as to pursue my vocation, otherwise I would consider myself a rogue — which is what many people think I am, for that matter. Oh well, what difference does it make. What upsets me the most is not so much the poverty as the things that perpetually get in the way of my art, which I cannot carry out the way I feel and which I would carry out if it weren't for the poverty that is like a straitjacket. You tell me I am wrong to stay away from the artist[ic] center. No, I am right; I've known for a long time what I am doing and why I am doing it. My artistic center is in my brain and nowhere else, and I am strong because I am never thrown off-course by other people and because I do what is in me.

Original: Je suis un grand artiste et je le sais. C'est parce que je le suis que j'ai tellement enduré de souffrances. Pour poursuivre ma voie, sinon je me considérerai comme un brigand. Ce que je suis du reste pour beaucoup de personnes. Enfin, qu'importe! Ce qui me chagrine le plus c'est moins la misère que les empêchements perpétuels à mon art que je ne puis faire comme je le sens et comme je pourais le faire sans la misère qui me lie les bras. Tu me dis que j'ai tort de rester éloigné du centre artistique. Non, j'ai raison, je sais depuis longtemps ce que je fais et pourquoi je le fais. Mon centre artistique est dans mon cerveau et pas ailleurs et je suis fort parce que je ne suis jamais dérouté par les autres et je fais ce qui est en moi.
Letter to his wife, Mette (Tahiti, March 1892).

La Bienal de Sidney

En una oportunidad le pidieron a Pablo Picasso que definiese que era una obra de arte, a lo cual se dice que él respondió, ¿qué no lo es?. Y se podría decir que esa frase define el espíritu de La Bienal de Sídney que comenzó el 18 de junio y estará presentándose hasta el 07 de septiembre. Las obras presentes en la Bienal representan las diferentes etapas del arte contemporáneo, desde las obras de Marcel Duchamp hasta las más innovadoras instalaciones audiovisuales.

El Cambio en la Galería de Nueva Gales del Sur es evidente, sobre la estructura clásica, hecha de Sandstone (Arenisca), un artista aventurado tuvo el gusto de poder tomar una tiza y dejar sus ideas sobre las paredes, techo y columnas de la arquitectura neoclásica de la Galería, algo por demás divertido y bastante llamativo; como si el viejo edificio hubiese sido de pronto tomado por un grupo de bohemios, rejuveneciéndolo tanto por fuera como por dentro.

Dentro de la Galería se abrazan dos mundos del arte que comúnmente se juzgan separados, en las salas de Arte Clásico, el habitual silencio está ausente y las notas del piano y el violín llenan el espacio repleto de rostros solemnes y paisajes naturalistas sobrios que cuelgan en las paredes. Con la música pareciera que los viejos paisajes se iluminan y los rostros antiguos de oleo dejaran escapar una sonrisa por largo tiempo escondida.

En las Salas contiguas, separadas solo por un pasillo que divide a la galería en dos partes, como un Orinoco lleno de historia, dos artistas contemporáneos pintaban las paredes de la galería de blanco, y al terminar, comenzaban a pintarlas de negro, para al terminar, volverlas a pintar de color blanco.

Dos mundos del arte completamente antagónicos, besándose bajo un mismo espacio.

La Bienal no está limitada a la Galería de Arte de NSW, se extiende de ahí hasta las Isla Cockatoo pasando por el Pier 2/3, el museo de arte contemporáneo, el parque botánico Real, el Opera House y ARTSPace. En todos estos puntos se encuentran obras expuestas para el disfrute de todo aquel interesado en pasar un día o mas, inmerso en el Arte.

Todo el evento que de por si esta excelente, es además, gratuito. Las Obras provienen de todos los países del mundo y exponen todas las corrientes modernas del arte contemporáneo. Entre todas ellas, tuve el placer de encontrarme con una obra del Maestro Soto, que sin duda alguna dejaba sorprendidos a los asistentes. Siempre es bueno, cuando uno vive en países extranjeros, encontrarse con personas que comparten la misma cultura, así me sentí yo cuando vi la obra de Soto visitándome en Sídney. Locuras tal vez, de un bohemio rebelde.

Con mas 180 artistas exponiendo sus obras, He aquí el link oficial a la Bienal, ¡Que disfruten!

http://www.bos2008.com/app/biennale

Entre el Arte y los negocios

Para el artista el mundo del comercio es comúnmente como un tanque de agua lleno de tiburones del cual se debe nutrir para mantenerse vivo pero sin dejar que los tiburones se lo coman. Y es que en el arte son numerosísimas las historias de artistas que han muerto pobres solo para hacer millonarios a quienes luego venden el producto artístico sin siquiera tener que pagar a la familia del artista los derechos de autor. Esto ocurre sobre todo en el caso de los artistas plásticos ya que su arte normalmente se transfiere como la venta de un producto cualquiera terminado, que incluso desde el punto de vista legal podría ser objetable debido a la posibilidad de reproducción de la pintura, video, o escultura, con fines económicos.

Hay artistas que a pesar de mantenerse en el mundo del “Fine Arts” logran desarrollar productos con la finalidad de masificar su arte y aumentar el mercadeo de su propuesta artística. Jeff Koons ( http://www.jeffkoons.com) por ejemplo, es un caso típico en el cual encontramos que el artista publica libros donde se muestran sus obras y estos libros son otro producto generador de ganancias. En otros casos, el artista o algún dueño de su obra logran retener los derechos de reproducción y a través de estos generar ganancias aun mayores que las generadas por la obra en sí.

¿Cómo es esto posible?, imaginemos por ejemplo, un calendario que contenga las reproducciones de las obras de Botero, estos pueden ser vendidos masivamente, y al venderlos pueden producir una ganancia que supere el valor obtenido por la venta de la obra original.

Ahora bien, dicho todo lo anterior, uno se pregunta, entonces ¿porque no todos los artistas toman ventaja de los derechos elementales y subsiguientes de sus obras?, ¿Por qué no todos aprovechan las ventajas que la Ley ofrece para sacarle una mayor ganancia a su producción artística?, y la razón es que muchos artistas no tienen el menor interés en tener que lidiar con dos asuntos elementales, el primero de ellos, los derechos otorgados por la ley al artista sobre su obra, y el segundo asunto, igualmente elemental, el manejo concienzudo del dinero producto de las obras vendidas. Estos errores de comportamiento llevan a que se presenten casos donde los artistas, aun los más avezados comercialmente, son despojados de cantidades enormes de dinero sencillamente por carecer de interés en administrar su éxito de una manera responsable y económicamente sostenible.

Un ejemplo que clarifica lo anterior lo podríamos ver en Ken Done,( http://www.kendone.com/) un artista australiano de éxito que además de tener una galería en el precinto artístico de Sídney tiene tiendas donde vende productos de todo tipo que han sido impresos con los diseños de sus cuadros. El éxito de su modelo de negocios ha sido increíble, pero tan exitoso que decidió dar sus ganancias a un corredor de bolsa para su administración y hoy día está demandando al mismo debido a la perdida dolorosa de cientos de miles de dólares. Así que no es solo necesario tener la capacidad de llevar nuestra creatividad a sus límites, es necesario también el saber administrar la producción artística como un negocio.

THE ARTIST'S WAY

The Artist’s Way

Hace años que sustituí la iglesia por la tienda de libros. Alrededor de los libros me siento arropado por la sabiduría del mundo y compartiendo en fraternidad con el género humano todas las desgracias y felicidades que en este mundo estamos condenados a experimentar.

En un trance de curiosidad, ojeando portadas y prólogos, me encontré un libro que llamo profundamente mi atención. Tal vez porque me era necesario leerlo, o me estaba destinado el leerlo. Su primera edición fue hace más de diez años y sigue siendo impreso hoy día, y gracias al tema que desarrolla podría seguir siendo impreso durante muchos años más. Esta escrito por una artista, y dirigido a los artistas, tal vez no a todos ellos, sino especialmente a los que sufren luchas interiores o deben ignorar a quienes les rodean para dejar fluir su creatividad.

La autora, Julia Cameron, desarrolla un programa de 12 semanas con la finalidad de rescatar el lado artístico de nuestro ser y desencadenar las fuerzas creativas que claman ser liberadas. La autora sufrió en carne propia las batallas personales y artísticas, que la llevaron a la escritura del mencionado libro.

“The Artist’s way” tuvo su origen en anotaciones tomadas durante el tiempo en que Julia ejerció como profesora del NEW YORK FEMINIST ART INSTITUTE, donde ayudaba a los artistas de toda índole, poetas, pintores, novelistas, y productores de cine, a superar los bloqueos creativos. Fue así que desarrollo un programa completo, basado no en poca medida en el programa de los Alcohólicos Anónimos, para rescatar el artista que muchos llevamos dentro. El rescate comienza con la utilización de dos herramientas elementales, los que la autora llama, las páginas mañaneras y la cita del artista.( The morning pages and the artist dates). Según Julia, con estas dos herramientas es posible “la recuperación creativa”.

Debo confesar que al comenzar a leer el libro me pareció algo exagerada la espiritualidad de las primeras páginas, pero al ir pasando las paginas y al descubrir la intención de la autora se comprende el por qué es necesario en todo artista el tener una fe espiritual de algún tipo. El crear es un acto de fe y la fe requiere la existencia de la espiritualidad en alguna medida. Esta obra es sumamente valiosa, uno puede notar como el cambio se va gestando a medida que uno avanza en el programa.

Para todos aquellos que en alguna oportunidad hayan tenido que lidiar con el bloqueo creativo, así como con un ambiente anti-artístico a su alrededor, este libro debe ser un paso necesario en alcanzar la plenitud creativa.

El saber qué es lo que tu prefieres
En vez de decir humildemente Amen a lo
Que el mundo te dice que tú debes preferir,
Es el haber mantenido tu alma viva.
Robert Louis Stevenson

Título del libro Recomendado: The Artist’s Way.
Nombre del autor: Julia Cameron.

CONTENIDO DEL PROXIMO ARTICULO.....SECRETO, HASTA EL PROXIMO SABADO.

Going Professional II

Going professional
Segunda parte

Los instrumentos de mercadeo pueden ser de lo más diversos, desde un currículo vitae de nuestra vida artística hasta una lista de contactos que te pueden ayudar a alcanzar la meta que pretendes lograr. La artista nos recomienda utilizar todos los instrumentos tecnológicos al alcance de la mano de todo aquel que tenga acceso al uso de una computadora, bien sea propia o ajena. El tener una página web, la utilización de programas como el Iphoto entre otros pueden ser herramientas de publicación de tus trabajos que además de ser efectivas, son de muy bajo costo.

Para el artista que está intentando comercializarse, o trabajar profesionalmente en su arte, es importante que el mismo conozca su mercado, es clave que investigue y analice las vías de comercialización y cuál es el mercado en el que piensa desenvolverse. En el caso de un pintor, o un artista plástico por ejemplo, este debería saber cuáles son las galerías más importantes, cuáles son los estilos de arte representados en tales galerías, cuáles son las galerías públicas, las privadas, las gerenciadas por grupos de artistas, quiénes están comprando y vendiendo arte, quiénes hacen representaciones de artistas o son agentes.

Muchos leerán esto y pensaran, ¿no era la comercialización del arte una prostitución del artista?. Pues bien, ese es un viejo paradigma, un paradigma que no tiene mucho sentido en una era donde grandes artistas han tenido la oportunidad de tener grandes ingresos, Botero, Picasso, Dalí, y muchos otros, incluso desde el Renacimiento tuvieron la oportunidad de tener una calidad de vida estimable gracias a los ingresos provenientes de su arte. A lo cual ni María Fernanda Cardoso, ni quien escribe estas líneas, se opone en absoluto. En todo caso, ese es un tema al cual deberá enfrentarse cada artista individualmente y hacer lo que mejor le convenga de acuerdo a sus circunstancias particulares.

Ahora bien, para aquellos que no nos da miedo el éxito económico gracias al éxito artístico es importante que el artista desarrolle su estrategia y plan de negocios. Tu arte es un producto, es necesario que sepas cómo venderlo, cómo ponerlo en la calle, cómo mercadearlo. Definitivamente algunas habilidades de negocios lejos de destruir tu arte podrían enaltecerlo. Saber el hacer una factura, saber cobrar, saber cómo hacer nuestra declaración de impuestos, tener algo de conocimiento financiero y un plan de negocios, no solo son necesarios a la hora de comercializar tu arte, sino que además reflejan la seriedad de tu determinación en alcanzar el estatus de profesional a través de tu producción artística.

Nos indica la artista que nuestro foco no debe estar solo en producir arte, o en mercadear nuestro arte, sino en aprender a vivir como un artista. Se debe trabajar (en nuestro arte) para aprender, para experimentar, tener experiencias, y conocer gente en el medio al cual aspiramos a pertenecer.

Debemos saber qué deseamos alcanzar, y después perseguir ese sueño. Qué es lo necesario para lograr alcanzarlo, en palabras de María Fernanda, lo siguiente: es necesaria la ambición, es necesario el estar enfocado, concentrado en un objetivo, es necesaria la visión de saber que queremos alcanzar, es necesaria la imaginación para darle impulsos creativos a nuestra carrera, es necesaria la perseverancia, y es necesario el tiempo, dedicarle tiempo a nuestro arte, y aprovechar el tiempo, así como también darnos el tiempo necesario para alcanzar las metas propuestas.

Luego de la artista habernos dado tanta información útil y esclarecedora quiso compartir con nosotros lo que ella llamó, perlas de sabiduría, que ciertamente lo son. Y son las siguientes:
Perlas de sabiduría para un artista,
- Piensa a largo plazo.
- Trabaja al máximo, juega al máximo.
- Usa tu cerebro. Piensa.
- Ten una vida interesante.
- Ve cuanto puedas del mundo.
- Persigue tus propios intereses.
- Se original.
- Ten el propósito de ser el mejor, ser excelente.
- Ten grandes metas.
- Convierte lo negativo en positivo.

Y fue así que terminó nuestra tarde de curso con la afamada artista María Fernanda Cardoso. Espero que les sea de utilidad a todos los amigos artistas que visitan este blog y que están haciendo de su arte un modo de vida.

En la próxima entrega, el análisis de un libro escrito por una artista profesional para todos los artistas, un libro que ha cambiado la vida de muchos artistas de una manera increíblemente positiva…….Hasta el Próximo Sábado

GOING PROFESSIONAL

“Going Professional”
Primera Parte

Era una tarde de verano con una temperatura perfecta. Desde el piso 4 del museo de arte contemporáneo de Sídney, un viejo pero en perfecto estado edificio de los años 40 se podía observar la Casa de la Opera con su radiante color blanco.

Para mí, era algo así como una tarde fuera de la realidad. Salir de mi realidad de desempleado para entrar en otra realidad más alegre, la del aspirante artista, o curioso del arte. Por unos cuantos dólares tenia el privilegio de formar parte de un grupo selecto que pasaría la mayor parte de la tarde compartiéndola con la artista María Fernanda Cardozo.

Ella con sus veinte años de experiencia, y estudios en Yale University, estaba ahí para darnos cuanto conocimiento fuese posible en unas cuantas horas sobre el arte de ser un artista profesional.


En primer lugar, es importante tener un ídolo, tener un héroe, o héroes, que hayan logrado alcanzar lo que nosotros, los aspirantes a artistas, pretendemos alcanzar. María tiene los suyos, Louise Bourgeois, Marcel Duchamp, Joseph Beuys, Andy Warhol entre otros.

Además de lo anterior es importante tener una mezcla sana de ambición e imaginación. Es importante el pensar que se quiere ser en el futuro, el preguntarse qué es lo que se quiere alcanzar, cual es la carrera que se quiere desarrollar y que es lo necesario para llegar ahí. Por lo cual es importante tener tanto sueños personales como sueños profesionales. Estos sueños deben traducirse en metas. Y estas metas deben alcanzarse en periodos de tiempo determinados, metas para ser alcanzadas en seis meses, metas para ser alcanzadas en 1 ano, y metas para alcanzarse en cinco anos. Luego de haber meditado profundamente sobre estos temas, y poner en escrito nuestros objetivos es entonces cuando debemos pensar estratégicamente sobre qué es lo que necesitamos para llegar allí. Es así cuando las habilidades en administración del tiempo juegan un rol importante.

Debemos entonces crear tiempos limites ( escribiré tantas páginas antes del viernes, pintare tantos cuadros antes de terminar el mes, creare dos nuevos diseños antes del lunes, etc) y ayudarnos de calendarios, alarmas, listas de “cosas por hacer” y priorizar para que logremos esos pequeños triunfos que anteceden siempre a todos los triunfos mayores.

Una vez que el plan está hecho, es necesario entonces, trabajar en base al plan. Es decir, Crear, y documentar suficientemente nuestro trabajo creativo, por ejemplo, en el caso de un artista plástico sería importante documentar cual es el título, el medio, el año, las dimensiones, etc. Todo esto con el objetivo de tener material informativo suficiente para crear nuestro portafolio y algunos instrumentos de mercadeo. Continuará……